“En términos generales, La Música Contada se trata de una especie de charla informal y autobiográfica con banda sonora incluida. Un autorretrato musical en primera persona. Esto es: una narración donde los recuerdos del invitado se van apoyando en canciones que de alguna manera hayan sido importantes en su vida y/o en su formación/trayectoria profesional. Siempre buscamos invitados que tengan algo que ver con la música, ya sea haciéndola, divulgándola, o bien, habiéndose significado como un notorio aficionado. O sea, como si fuese un programa de radio en directo delante del público con el que contamos con su participación y diálogos, y donde se habla memoria personal y música a partir de canciones que hayan significado algo en la vida de cada cual. Y como ya sabemos lo que le sucede a las personas cuando hablan de las canciones que se le han pegado al alma, se acaba convirtiendo la conferencia en lo más parecido a una charla con amigos en la que se habla de todo con canciones de fondo.
(…) El ciclo es una idea y creación original registrada por el periodista, escritor y gestor cultural Héctor Márquez desde la productora El Pez doble S.L. Desde el mes de octubre de 2000, en el que arrancó en Málaga hemos tenido el gusto de contar con la presencia de prestigiosos músicos, periodistas especializados, actores, escritores y personajes varios en torno a la música.”
Se pueden ver algunas de esas músicas contadas pasando por su Canal de Youtube. Siendo un servidor residente de un pueblo que, dicen, es música, no puedo hacer otra cosa que sentir envida ¿sana? (más…)
De cada diez personas que miran la televisión, cinco son la mitad
Les Luthiers es el nombre artístico de un grupo argentino de música de humor compuesto en la actualidad por cinco miembros, que comenzó su andadura en la segunda mitad de la decada de los 60 en la ciudad de Buenos Aires. Se caracterizan por ser músicos profesionales y por expresar un humor fresco, elegante y sutil, tanto en las presentaciones de las composiciones como en las propias letras: “…los niños deben tener su lugar; un lugar donde ellos sepan que pueden jugar, correr, saltar, gritar, romper, ensuciar…por supuesto, señora, es conveniente dentro de lo posible, que ese lugar no esté muy alejado de la ciudad”.
Una de sus características es que utilizan frecuentemente una serie de instrumentos informales creados por ellos mismos a base de materiales de la vida cotidiana, de ahí su nombre, Les Luthiers (que significa en francés, creadores de instrumentos musicales). Entre ellos se pueden citar el tubófono silicónico cromático, el yerbomatófono, el contrachitarrone da gamba o la gaita de cámara (en la foto)
En un principio me resultó complicado seleccionar un video para el post hasta que di con la representación de “Perdonala”. En la presentación del bolero obra de Johann Sebastián Mastropiero, Marcos Mundstock relata como al interpretarse por primera vez el periódico «Actualidad Musical» se refería a él en términos elogiosos hasta que al día siguiente tuvo que rectificar de la siguiente forma:
Fe de erratas: donde dice de inspiración arrebatada como otros compositores románticos, debe decir arrebatada a otros compositores románticos. Y donde dice su copiosa producción debe decir su copiada producción
Posteriormente nos cuenta la polémica entre Günther Frager, creador original del bolero, y J. S. Mastropiero “presunto” plagiador. Hasta para copiar y defenderse hay que tener arte y así lo demuestra Mastropiero en las réplicas a las acusaciones de Günther Frager, todo esto en tiempos anteriores al nacimiento de la SGAE (no sé por qué toda esta polémica me ha recordado a un gigante de nuestra tierra… con todos mis respetos para Mastropiero). Véase la resolución del conflicto y la interpretación del bolero “Perdonala” a continuación:
Más información: Wikipedia. Página oficial de Les Luthiers (y desde aquí multitud de enlaces para conocer el interesante mundo de Les Luthiers: historia, instrumentos, etc.). Página sobre Johann Sebastián Mastropiero, famoso compositor cuyas obras interpretan a menudo Les Luthiers…
Alfonsina Storni (1892-1938) nacida en Suiza. Vivió en Argentina desde los cuatro años. Estudió y trabajó como maestra. Sus primeros poemas aparecen en diversas revistas literarias de su país. También escribió obras de teatro.
Se trasladó a Buenos Aires en 1911, allí nació su hijo y publicó su primera obra «La inquietud del Rosal». A partir de este momento Alfonsina deja la profesión de maestra ( que más tarde retomará) para trabajar, además de en otros muchos empleos, en un revista donde comienza a relacionarse con escritores y políticos del momento. Conoce al que será su gran amigo Horacio Quiroga.
A sus 30 años Alfonsina se había convertido en miembro destacado de «la nueva generación literaria argentina» y en uno de los poetas más respetados y reconocidos de su país.
Su poesía va evolucionando hacia un estilo cada vez más libre y dramático. Se acerca al mundo real, al feminismo y a la temática amorosa, con un erotismo insólito para su época.
Su salud empeora. Padece síntomas de enfermedad mental que se ven agravados a consecuencia de su operación de cancer de mama, en 1935.
Se suicidó. Este suceso inspiró la canción «Alfonsina y el mar», de Ariel Ramirez y Félix Luna.
Tras años de ostracismo en las videotecas domésticas de algunos freaks, pasó de ser castigada por crítica y público a instalarse en el altar preferente del culto cinematográfico. Para quienes no la vimos hasta años después, el rechazo inicial es sorprendente. Muchos postulan que era demasiado adelantada para la época, pero es un argumento poco convincente pues bebe de las fuentes más antiguas del séptimo arte: la voz en off la conecta con el cine negro y no es difícil encontrar similitudes con Chinatown. Además, la historia del ex-policía, ex-Blade Runner y ex-asesino podría estar ambientada en el lejano oeste en lugar de Los Angeles-2019.
Desde hace ya tiempo nadie duda en calificar esta película como ‘obra maestra’ en el sentido más literal de la expresión, pues es una de las más influyentes de los años ochenta.
La Banda Sonora:
Los directores de cine disponen de varios recursos para transportarnos a su terreno y hacernos sentir como ellos quieren. Algunos lo consiguen, pero cada uno lo hace a su manera. Ridley Scott utiliza casi todos en esta película, pero si hay uno que pondera habitualmente es la música. Para Blade Runner escogió a Vangelis, que ganó el Oscar el año anterior por Chariots of Fire. Sus composiciones electrónicas y la capacidad de conectar con el espectador emocionalmente era lo que buscaba, así que no le dejó escapar. Vangelis por su parte sacó un gran provecho pues Scott le orientó con tal acierto que nunca más ha vuelto a componer con tanto criterio cinematográfico.
Prácticamente todas las composiciones son instrumentales, a excepción de «One More Kiss, Dear», cuya letra está escrita por Peter Skellern y cantada por Don Percival y «Tales of the Future», en la que interviene el vocalista Demis Roussos.
Escena de Situación:
Deckard toca el piano: A Deckard (Harrison Ford) le invade la tristeza tras la marcha de Rachael (Sean Young) y comienza a tocar el piano. Es uno de los pocos instantes con música diegética: proviene de una fuente que el espectador puede reconocer físicamente (el piano), la escuchan los personajes del filme (Deckard en esta ocasión), está ubicada en un lugar concreto (su casa) y su duración es exacta. Cuando se fija en las fotos de sus ancestros que están sobre el piano, deja de tocarlo. Ahora le asaltan las dudas también a él. ¿Será un replicante? ¿Le habrán injertado artificialmente sus recuerdos? Acto seguido, Vangelis cambia brillantemente la diégesis anterior por música incidental: comienza a sonar el célebre tema de amor, dominado por el emotivo saxofón de Dick Morrisey.
La canción que musicaliza esta escena es la mencionada «One more kiss, Dear», de Don Percival.
Cuando un final se convierte en un clásico:
Al igual que los temas de Vangelis, los rostros de ‘Blade Runner’ no se olvidan. Inevitablemente, el impresionante y emotivo monólogo final, que ya forma parte de la historia del cine (lo puedes ver mil veces, te eriza la piel siempre), hace que sean Deckard (Harrison Ford) y Roy (Rutger Hauer) los actores más recordados. Tanto uno como otro están simplemente perfectos; el primero da vida a un detective melancólico, a un antihéroe, con el que nos podemos identificar desde el primer fotograma, y el segundo interpreta (y crea) a uno de los mejores villanos que ha dado el cine en toda su historia, sobran las palabras.
‘Yo… he visto cosas que vosotros no creeríais… atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia… Es hora de morir‘.
(Agradecimientos: A toda la plataforma “BC 2.0” y en especial a Chema, por darme la oportunidad de aportar mi granito de arena a esta web cultural y con cuya filosofía coincido… ¡Todo el mundo tiene algo que aportar! Así como a los asiduos lectores de la misma. ¡Un saludo a todos!).
..Pueblo de Pekín! Esta es la ley: Turandot, la Pura, será la esposa de aquel que, siendo de sangre real, resuelva los tres enigmas que ella le propondrá. Pero el que afronte la prueba y resulte vencido ofrecerá al hacha su cabeza soberbia.
Así reza el edicto impuesto por la bella pero fría y sanguinaria princesa Turandot y que ha llevado a la muerte a decenas de aspirantes subyugados por su inigualable belleza. El príncipe Calaf se ha sometido a la difícil prueba y ha logrado resolver los tres misteriosos enigmas de Turandot. ¿Cuáles son? la esperanza, la sangre y el último, el hielo que enciende tu llama: Turandot. Ahora le toca reclamar la mano de la fría princesa, quien ha quedado a merced del hasta entonces desconocido vencedor. Pero la derrotada princesa se rehúsa a cumplir con el juramento sagrado que la obliga a ser esposa del hombre que adivine sus enigmas, por lo que ruega a su padre, el emperador de China, que no la entregue al extranjero.
El desconocido príncipe, viendo temblar de miedo a la princesa por primera vez, le propone un enigma: «Mi nombre no sabes, dime mi nombre… dime mi nombre y al alba moriré».
¡Nadie duerma! Los heraldos de la princesa Turandot esparcen el decreto por todo Pekín. Nadie dormirá esa noche hasta que se encuentre a alguien que conozca el nombre del extranjero.
Mientras Turandot y sus guardias recorren la ciudad atemorizando a la gente en su afán de descubrir el nombre de Calaf, éste, posado en una escalera, contempla las estrellas y, seguro de su victoria, espera con ansia la llegada de la mañana…
Nessun dorma (Nadie duerma)
He aqui, la que probablemente es el aria + estremecedora, y desde luego 1delas + famosas, de la historia de la ópera.
ONCE es una película musical irlandesa escrita y dirigida por John Carney. Rodada en Dublín y protagonizada por Glen Hansard (del grupo The Frames) y Marketa Irglova.
Un hombre de unos 30 años que toca por las calles de Dublín con su guitarra, conoce a una chica checa durante una de sus actuaciones nocturnas que se interesa por sus composiciones.
Glen Hansard iba a participar en ONCE componiendo los temas de la banda sonora y ayudando en el guión con algunas anécdotas de su etapa como músico callejero en las calles de Dublín. No la iba a protagonizar, pero dos semanas antes del comienzo del rodaje, Cilliam Murphy, el que iba a ser protagonista, abandonó el proyecto para hacer la película «Sunshine».
Ha sido premiada en el último Festival de Cine de Sundance.
Es una historia tan sencilla que parece real. Y los temas de la película gusta hasta los que no acostumbramos a escuchar música. La película me fue enganchando y al final me encantó. Cada vez me gustan más las historias sencillas.
Como ferviente «no-seguidor» de Eurovisión me he visto ultimamente invadido por la canción del Chiki chiki y ya me la encuentro en: uno, el desayuno; dos, al trabajar; tres, al dormitar; cuatro, en Internet…
Para aquellos de nuestros lectores de fuera de España que no sepan de que hablo les daré un par de definiciones para situarlos:
a) Eurovisión: concurso en el que una serie de grupos musicales, uno por cada país europeo, intentan ganar a base de ser los mejores o los peores, ese detalle es indiferente; y donde a España siempre nos quitan la merecida victoria con trampas igual que con la Selección de Fútbol. 😉
b) Chiki chiki: canción interpretada por Chikilicuatre, un actor de un programa de la televisión española, que competirá este año en Eurovisión representando a España y cuyos argumentos para ganar son llevar una canción y actuación ridícula.
Hechas las presentaciones vamos ahora a tratar el meollo del asunto: ¿para qué narices sirve Eurovisión? ¿se hunde la gloria universal del pueblo español presentando el Chikichiki a concurso? ¿se revuelven en sus tumbas los Reyes Católicos y Cervantes?
Personalmente Eurovisión me aburre y no le veo mucho interés artístico, a fin de cuentas en las votaciones hay mucho amiguismo y estrategias territoriales. Por ello, puestos a ir, vamos a enviar a alguien que nos haga reir un rato, incluso con los criterios de Eurovisión quizás ganen y todo. Pero que nadie se rasgue las vestiduras musicales, que lo de Eurovisión ya hace tiempo que no es algo serio, creo yo. Que me corrijan los expertos eurovisionistas si me equivoco.
Aquí os dejo la canción del ChikiChiki para que juzguéis vosotros mismos y, para salvar el honor patrio: Massiel en 1968, la primera vez que España ganó Eurovisión
… pues esa fue la primera imagen que me vino a la cabeza cuando leí que Giacomo Puccini compuso una ópera ambientada en el «Salvaje Oeste» y + en concreto en la California de la era de los buscadores de oro, «La Fanciulla del West» se titula la extravagancia en cuestión. Supongo que para la vieja Europa de principios del siglo XX el oeste americano resultaría tan exótico como el Lejano Oriente en el que Puccini ambientó nada menos que las míticas «Madama Butterfly» y » Turandot»
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BC 2.0 
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